О построении кадра в фотографии
Композиция в фотографии — это то, о чем слышали многие, но разбираются в деталях лишь некоторые.
В пабликах фотографов тема «композиция в фотографии» почти не затрагивается, в отличие от разговоров об оборудовании.
Это объяснимо: темы, связанные с техникой, активно поддерживаются производителями, заинтересованными в продвижении своей продукции. Представьте, если бы в эпоху Ренессанса существовали современные средства коммуникации. Наверное, художники обсуждали бы качество кистей и красок так же активно, как сейчас обсуждают фотоаппараты и объективы.
Композиция — сложная и многогранная сущность, тогда как обсуждение технических характеристик камер не требует глубоких знаний или особого напряжения, я говорю о том уровне обсуждения, на котором оно, обычно, ведется в соцсетях.
Но каким бы резким и ярким не было изображение в итоге, какие чудесные цвета не передавала бы очередная камера, без идеи и формы, фотография теряет смысл.
В большинстве материалов, доступных в интернете, обсуждаются лишь простейшие правила композиции, которые приносят мало пользы. Чтение книг А.Картье-Брессона, В.Кандинского, Л. Дыко, А. Лапина или А. Вершовского требует концентрации, а читать Р. Арнхейма, для начинающего фотографа, в большинстве случаев, совсем невозможно.
В этой статье я постараюсь максимально доступно изложить сложные взаимосвязи элементов, составляющих фотографию. Надеюсь, это получится, и у читателя появится интерес к теме.
Гармония в фотографии появляется, когда удаётся собрать вместе несколько факторов: интересный сюжет, точно выбранный момент, удачный ракурс, красивое освещение и продуманное кадрирование… или хотя бы некоторые из перечисленных.
Все это напоминает процесс приготовления блюда, выбрав одни и те же продукты, можно получить кулинарный шедевр, а можно — малосъедобную субстанцию. В фотографии процесс “приготовления блюд” называется построением кадра и происходит исключительно в голове фотографа.
Курица или яйцо
Фотография создаётся только благодаря умственным усилиям и рождается в воображении, чтобы не говорили “эксперты” из фотопабликов в соцсетях.
Опыт фотографа, его художественный вкус и профессиональные навыки помогают реализовать идею, которая появилась в его голове… Какую роль при этом играет фотокамера? Второстепенную!
Конечно, совершенная камера и качественная оптика упрощают работу и предоставляют больше возможностей, но не более того.
Следствием такого порядка вещей, становится то, что интересный снимок иногда возникает случайно, даже у человека не интересующегося фотографией… Но такой приз выпадает крайне редко. И если такое чудо случается, то чтобы увидеть и оценить его, требуются опыт, знания, вкус и насмотренность. Без этого даже очень удачный кадр затеряется среди сотен посредственных снимков…
Всё возвращается на свой круг: чтобы создать гармонию и чтобы увидеть её, нужны одни и те же качества. Мироздание наполнено иронией, пишу это на тот случай, если вы еще не оценили этот факт!
Можно ли быстро научиться делать интересные фотографии, например, с помощью пошаговой инструкции, которых много в сети? Вряд ли. Простых правил недостаточно. Чтобы сделать хороший снимок требуется больше, чем слепое следование списку рекомендаций.
Понимая, что тема, о которой я собираюсь говорить, не из разряда бестселлеров, начну с небольшого дисклеймера…
Предполагаю, что текст может показаться скучным. Это будет означать, что вопрос профессионального роста пока не стоит остро. Возможно, еще тлеет надежда найти легкий и незатратный путь к мастерству. Когда нет настроя на серьезную работу, нет смысла тратить время на чтение длинного и сложного текста.
Повремените, еще поснимайте, прислушайтесь к своим ощущениям. Человек с творческим складом и жаждой успеха, рано или поздно придет к правильным выводам.
С другой стороны, лучше не затягивать ─ жизнь скоротечна и времени у нас не так много, как хотелось бы.
Обратная связь
Я допускаю, что могу ошибаться и что-то понимать не до конца. Поэтому, прошу оставлять свои возражения, сомнения и замечания под постом об этой статье.
Теперь, когда я достаточно настроил против себя аудиторию, можно начинать!
Начинаю
Недавно в одной соцсети появился пост, его автор предложил определить, какая из двух фотографий сделана «топовым» фотографом, а какая “новичком”. Уточнялось, что прайс этих фотографов, отличается на порядок. На пост откликнулось несколько человек, которые уверенно пришли к выводу, что работы мало отличаются по уровню. Соответственно, определить какая из фотографий может стоить в десять раз дороже, невозможно.
Заказывая услуги у «дорогого» фотографа, люди нередко получают не только (и не столько) фотографии высокого эстетического и технического качества, возможны разные результаты. Но они приобретают еще целый пакет психологических бонусов: ощущение собственной состоятельности и успеха, принадлежность к определённому
социальному классу, иллюзию обладания эксклюзивом, надежду на приобщение к миру искусства и многое другое. Конкретные эмоции зависят от самого человека и его жизненных обстоятельств.
В этом нет ничего плохого — такие «плюшки» жизнь постоянно дарит успешным людям. Но другой вопрос: действительно ли фотографии оригинальны и выполнены на высоком уровне? Ответить на этот вопрос можно, только если у вас есть знания, чтобы объективно оценить качество снимков.
Существует и противоположный взгляд: зачем платить больше, если разница не всегда заметна? Это тоже справедливо — если вы не видите разницы, нет смысла переплачивать.
Для чего нужно понимать язык фотографии
Когда-то, очень давно, мои родители заказали фотосъёмку, на которой я сижу на деревянном коне в костюме гусара. До школы я гордился этими снимками, но позже стал их стесняться. Ещё позже, начав разбираться в фотографии, понял, что эти фотографии очень слабые. Люди растут, меняются, развиваются — и в этом весь смысл жизни.
Именно поэтому лучше самостоятельно разбираться в вопросах эстетики, если они вам интересны. О людях, которые понимают искусство, говорят, что у них есть чувство художественного вкуса. Такой вкус всегда вызывает уважение и добавляет человеку очков в глазах окружающих. А для художников и фотографов он вовсе необходим — это их главный инструмент для анализа.
Можно всю жизнь фотографировать одновременно подпрыгивающих гостей на свадьбах, добавлять в фотошопе стаи голубей и чувствовать себя вполне уверенно. Но однажды… Самое дорогое, что можно потерять, — это время.
Посмотрите на портрет Анджелины Джоли работы Энни Лейбовиц. Даже неискушённому зрителю понятно, что это выразительная фотография. Но как это объяснить?
Давайте разбираться…
Ум + красота + выразительность = успех
Фотография всегда является гармонией образа и выразительных средств. И пусть это звучит пафосно — в таком пафосе кроется глубокий смысл. Сюжет удачной фотографии должен быть зафиксирован в «тот самый момент», в том «единственном ракурсе», и всё это должно поддерживаться выразительными средствами языка фотографии. Гармония этих элементов называется «композиция в фотографии». Хорошим примером «того самого момента» служит работа Павла Лабонского: птичка схватила рыбку и готовится полакомиться. Если перевести всё сказанное на бытовой язык, это означает, что фотография должна быть умной, выразительной и красивой. Содержание кадра подчёркивается светом, цветом, формой, линиями и другими средствами.
Композиция в фотографии и насмотренность
Прежде чем двигаться дальше, остановимся на важном моменте, который заслуживает наше внимания. Каждый, кто когда-либо интересовался фотографией, слышал слово «насмотренность», но не все до конца понимают его значение. Насмотренность — это накопленная в памяти база визуальных знаний. Своеобразный банк образов и паттернов, сформированный благодаря знакомству с множеством разных работ, включая шедевры выдающихся фотографов. Чем больше таких образцов в вашей памяти, тем шире становится ваше воображение и тем больше появляется возможностей для создания собственных идей. Насмотренность создает запас интеллектуальной пищи для вашего ума на долгие годы! Конечно, прямое заимствование идей из чужих работ редко приносит пользу. А вот обобщение и синтез чужого опыта создают прекрасные перспективы. Созерцание качественной фотографии приносит такую же пользу, как прочтение хорошей книги. В этом смысле насмотренность можно сравнивать с начитанностью, но только в контексте визуального искусства. С чего начать знакомство с фотографией? Вот очень краткий список мастеров, чьи работы заслуживают внимания, на мой взгляд:
Анри Картье-Брессон (Henri Cartier-Bresson)
Ричард Аведон (Richard Avedon)
Уильям Юджин Смит (W. Eugene Smith)
Хельмут Ньютон (Helmut Newton)
Эллиотт Эрвитт (Elliott Erwitt)
Гарри Виногранд (Garry Winogrand)
Энни Лейбовиц (Annie Leibovitz)
Ян Саудек (Jan Saudek)
Уокер Эванс (Walker Evans)
Энсел Адамс (Ansel Adams)
Почему я предлагаю именно такой список? Работы этих авторов, на мой взгляд, прекрасное начало для формирования вашей насмотренности. В принципе существует бесконечное множество вариантов, составленных разными специалистами, в зависимости от их предпочтений. В дальнейшем, вы сможете самостоятельно дополнять его новыми именами.
Вот другой список, основанный на мнении коллективных экспертов, одним из которых является всемирно известное издательство Taschen: https://school.gurfoto.ru/invisibility/
в нем более 300 имен, вам точно его хватит надолго.
Это лишь отправная точка для знакомства с фотографией. Конечно, список можно дополнять бесконечно, но это займет годы, в течение которых ваши вкусы радикально меняться радикально.
Важно! Не начинайте изучение фотографии по своим подпискам в соцсетях! Среди них, несомненно, есть талантливые мастера, но также найдётся немало людей, чьи работы изучать не стоит.
Для развития насмотренности лучше всего изучать фотографии, которые прошли проверку временем. Постоянно задавайте себе вопрос: что сделало эту работу уникальной, позволив ей выделиться среди сотен тысяч других? Найти ответ очень важно, это будет означать, что вы научились понимать язык фотографии.
Со временем ваши предпочтения будут меняться. То, что сначала казалось идеалом, может потерять своё очарование. Например, такие клише, как «солнце на ладошке» или яркий цветной объект в чёрно-белом кадре.
Несколько слов о «трендах»
В эстетических жанрах, в том числе в фотографии, никогда не стоит полагаться на модные тенденции.
Иногда тренды задаются настоящими мастерами, и в таких случаях на них стоит обратить внимание. Однако гораздо чаще тренды формируют маркетологи, и следовать им — пустая трата времени.
Хороший пример, иллюстрирующий недостатки следования трендам, — это мир моды. Существуют дома высокой моды, которые создают коллекции и задают тенденции.
Их продукция доступна лишь избранным. Для всех остальных работает индустрия, которая заимствует элементы из коллекций известных модельеров, создавая всё: от дешёвых подделок до качественной одежды, выполненной профессиональными дизайнерами разного уровня.
У каждого есть выбор: купить модную одежду в крупной торговой сети, производящей сотни тысяч одинаковых предметов одежды или обратиться к начинающему дизайнеру, который создаёт уникальные вещи, либо приобрести подделку… И многие предпочитают обувь с красной подошвой или плохо сшитый пиджак с яркой этикеткой, подчёркивающей статус.
То же самое происходит и в фотографии. Некоторые фотографы увлечённо обсуждают современные тренды, даже не задумываясь о том, что выбирают «красную подошву» на туфлях с вещевого рынка.
В вашей фотографии не должно быть слова понятия “тренд”, если вы одновременно считаете себя художником, мне кажется, что это очевидно.
Теперь пора вернуться к основной теме.
Смысловая реализация
Когда мы говорим о смысловой составляющей художественного произведения, часто используем слово «сюжет». Сюжет подразумевает целый спектр событий и действий, связанных между собой и происходящих в течение какого-то времени. Этот временной интервал может быть как большим, так и крайне коротким, но он всегда предполагает определённую протяжённость во времени.
В то же время, понятие сюжета слишком общее и не точно отражает специфику фотографии.
Представьте себе фотографию с сюжетом «встреча влюблённых». Сколько вариантов такого изображения можно создать? Бесконечное множество.
Каждая фотография будет неповторимой: локация, время, освещение, ракурс, персонажи и их окружение придаёт сюжету индивидуальность. Фотография не просто фиксирует событие, она предлагает его интерпретацию через взгляд автора, что и делает её уникальной. Правда “уникальность” не синоним “успешности”, немало безграмотных и бесталаннных изображений уникальны в своей банальности.
Таким образом, сюжет в фотографии всегда одномоментен — это главное отличие фотографии от других видов искусства. Для более точного описания того, что составляет смысл снимка, в фотографии используется термин «смысловая реализация». Смысловая реализация привязана к конкретному моменту и лишена ощутимой протяжённости во времени.
Одномоментность — фундаментальное свойство фотографии, которое отличает её от других жанров искусства. Например, в изобразительном искусстве распространены сюжеты, охватывающие достаточно длительные временные периоды. Хороший пример, картина итальянского художника XV века Джорджоне «Три возраста человека», где в одной картине изображена целая жизнь, разворачивающаяся во времени.
Фотография фиксирует лишь один момент реальности. Однако этот момент даёт простор для интерпретации: зритель может предполагать, что происходило до него, что происходит сейчас и что произойдёт дальше, этот временной интервал существует в воображении зрителя, а не в самой реальности.
Пример, раскрывающий сущность одномоментности. Представьте три снимка, которые вместе образуют простой сюжет.
Молодой человек садится на скамейку рядом с симпатичной девушкой. Через некоторое время он трогает её за плечо, чтобы привлечь внимание. Девушка реагирует раздражённо, но спустя пару минут её агрессия сменяется заинтересованностью.
Первый и третий снимки легко дополняют вымышленный рассказ, созданный человеком, рассматривающим вторую фотографию. Вместить даже такой короткий сюжет в одну фотографию невероятно сложно, но делать три снимка, разворачивающих этот незатейливый сюжет… проще снять видеоролик. Фотография не видеоролик, она должна инициировать воображение зрителя на создание этой истории.
Фотограф, в отличие от художника или писателя, не может неспешно разворачивать повествование, в его распоряжении только одно мгновение реальности, будь то постановочный кадр или документальный. Всё, что за пределами фотографии — это плод воображения зрителя, поэтому перед фотографом стоит задача заинтересовать его одним моментом сюжета, чтобы дальше включилось воображение, которое воссоздаст историю, придуманную фотографом… или другую, не менее интересную.
Выразительные средства, визуальная реализация и композиция в фотографии
Умение использовать выразительные средства фотографии не менее важно, чем способность определить правильный ракурс и момент съемки. Научиться этому невозможно за две недели. Это требует постоянной практики, и прогресс будет зависеть от вас.
Примером может служить работа Павла Смертина. В композиции гармонично сочетаются простейшие геометрические фигуры и линии человеческого тела. На первый взгляд, соединение таких несоизмеримых объектов должно создавать диссонанс. Однако, благодаря автору, то, что казалось бы несовместимо, создает гармонию форм. Пересечение оконного переплета с фигурой балерины не разрушает целостность силуэта, а заставляет взгляд концентрироваться на нём.
Светлые проемы окна создают линейную перспективу пространства за ним. Одновременно эти проемы служат фоном всего изображения. Тёмный тон в кадре несколько сложнее, рама окна почти совпадает тонально с фигурой балерины, но благодаря контровому освещению, образуется светлый контур вокруг тела, который отделяет силуэт от оконного переплета.
Что касается перспективы, вид из окна, задает перспективу заднего плана, в то время как подсвеченная контровым светом фигура девушки образует объем на переднем плане. Это довольно сложная для восприятия визуальная конструкция, но она работает.
Еще один пример использования выразительных средств попроще. Циклорама ─ две перпендикулярные плоскости, сопряженные радиусом. Циклорама позволяет показать объем за счет тональной перспективы. Тональная перспектива ─ второй по значимости признак объема проекции пространства на плоскость.
Второй, после линейной перспективы. Уверен, что признаки объема проекции пространства на плоскость знают все начинающие фотографы уже после третьего занятия по композиции… или должны знать!
Для съемки использовался свет, напоминающий сценический, когда основные источники находятся прямо над сценой. Фронтальное освещение установлено так, чтобы градиент освещенного фона имел более темный тон в верхней части.
Напомню, что зоны более темных тонов воспринимаются нашим зрением как расположенные ближе, чем зоны с более светлыми тонами. Поэтому фон воспринимается как часть сферы, создавая ощущение объема.
В следующем разделе рассмотрим вопросы, касающиеся выразительных средств, подробней.
Реальный мир и его проекция на плоскость
Кого-то еще удивляет способность человеческого зрения воспринимать изображение на плоскости как трехмерное пространство?
Самое простое, с чего стоит начать, — это то, как в нашем воображении формируется ощущение пространственного объема. Существует несколько признаков, которые играют разную роль в этом процессе, и первый из них — линейная перспектива. Линейная перспектива основана на опыте человеческого зрения. Мы знаем, что одинаковые по размеру объекты становятся меньше, если они находятся дальше от нас. Параллельные линии сходятся на линии горизонта, потому что с удалением расстояние между ними иллюзорно уменьшается.
В реальном мире, чтобы определить расстояние, человеческий мозг сравнивает видимые размеры одинаковых объектов. Если расстояние до одного объекта можно оценить, то расстояние до другого определяется с помощью пропорций.
Ширина автомобиля 1 примерно в два с половиной раза меньше ширины автомобиля 2. Значит, расстояние до первой машины в два с половиной раза больше, чем до второй, конечно, в том случае если размеры автомобилей приблизительно одинаковые. Мозг быстро анализирует эти пропорции и благодаря этому мы иногда успешно избегаем ДТП… хотя и не всегда. Так происходит в реальном пространстве.
Но в иллюзорном пространстве, которое мы также называем “картинным пространством”, зрение работает иначе…
Теперь нужно обсудить несколько важных моментов, без которых сложно понять свойства виртуальных пространств, создаваемых нашим мозгом.
Зрительный вес и равновесие
Понятие «зрительный вес» играет ключевую роль для понимания визуального равновесия в композиции. Это условное понятие, оно не имеет физического значения.
Как правильно оценить визуальный, он же зрительный вес одного объекта относительно других? Рассмотрим принципы восприятия, которые использует наше зрение для оценки этого фактора. Равновесие изображения — это результат взаимодействия объектов с разным зрительным весом.
Во-первых, от его смыслового значения. Чем большее сюжетное значение имеет объект, тем больше его зрительный вес, далее влияют такие факторы, как размер, тон, цвет, форма и расположение.
Чем темней объект, тем большим зрительным весом он обладает, Чем больше размер объекта, тем больше его вес.
Расположение тоже играет важную роль, приближая понятие «визуальный вес» к физическому понятию «момент силы». Чем ближе объект расположен к вертикальной оси симметрии рамки изображения, тем меньше его визуальный вес. Рассмотрим несколько примеров.
На Фиг. I два круга, различающиеся по размеру, но создающие уравновешенную композицию. Эти объекты расположены на разном расстоянии от воображаемой оси симметрии изображения, что дает им разные «плечи воздействия». Это позволяет компенсировать различие в размерах. Что-то похожее на принцип, описанный в разделе «Механика» школьного учебника физики!
Большие и малые круги (Фиг. II), расположенные близко к центру симметрии, создают уравновешенную конструкцию благодаря тональной окраске объектов. В то время как одинаковые по размеру круги (Фиг. III), находящиеся на одинаковом расстоянии от оси, но отличающиеся тоном, не создают равновесия. Благодаря тональной разнице черный круг выглядит более «тяжелым». Черный треугольник на Фиг. IV уравновешен своим положением относительно оси симметрии.
Простые примеры, рассмотренные в этом разделе, подчеркивают важность умения определять зрительный вес тональных форм. Это становится значительно сложнее, когда композиция состоит не из простых геометрических фигур.
Простой пример равновесия
Гламурный портрет. Композиция в фотографии очень проста: фотограф немного нарушил симметрию, и это сохраняет ощущение движения. Движение, в свою очередь, подчеркивает конфликт, выраженный в позах девушек. В этом снимке важны как тон, так и цвет. В этом снимке важны как тон, так и цвет. Равновесие нарушено и это тоже поддерживает конфликт в сюжете.
Картинная плоскость и равновесие
Ограниченную рамкой плоскость, в которой находится изображение, принято называть картинной плоскостью. Этот термин пришел в фотографию из изобразительного искусства и остался в нем навсегда. Несмотря на то, что фотография имеет свою специфику, законы восприятия остаются неизменными. О специфике фотографического изображения мы еще поговорим.
Важным элементом картинной плоскости, так же как и построенного на ее основе иллюзорного пространства, является рамка. Рамка — это прямоугольник, реже другая форма, который ограничивает изображение по контуру. Она помогает организовать картинную плоскость, упорядочивая её. Все объекты изображения, находящиеся внутри рамки, взаимодействуют между собой и с ней.
Результатом такого взаимодействия становится равновесие, либо его отсутствие. Если совокупность объектов внутри рамки не полностью уравновешена, мы можем говорить о признаке движения. Конечно, речь не идет о перемещении объектов, ведь фотография статична, поэтому мы говорим об ощущении движения.
На рисунках изображено несколько простейших вариантов взаимодействия объектов с рамкой. Начнем с Фиг. I, где равновесие отсутствует. Трудно представить более беспокойный объект, чем эта окружность внутри рамки, “поворачивающая” ее по часовой стрелке, у вас есть такое ощущение?
Напротив, Фиг. II, III, V и VII демонстрируют абсолютно уравновешенные системы. В этих примерах мы рассмотрим крайности: абсолютную неуравновешенность и полный покой.
Сравнив (Фиг. I и IV), можно заметить, что в последней, равновесие нарушено меньше, благодаря влиянию прямоугольника. Визуальный вес круга больше, чем вес прямоугольника, так как он расположен внутри рамки выше. Важно отметить, как сильно равновесие зависит от расположения объекта.
Мы имеем неуравновешенную конструкцию (Фиг. VI), но стоит развернуть прямоугольник так, чтобы его стороны стали параллельны рамке, и равновесие восстановится.
Последние два рисунка (Фиг. VIII и IX). Сразу понятно, что обе конструкции уравновешены, но в разной степени. Все три элемента внутри рамки создают уравновешенную конструкцию (Фиг. VIII). Даже если удалить рамку, равновесие останется, объекты сохранят взаимные связи. Совсем другая ситуация (Фиг. IX). Отсутствие рамки не только разрушит равновесие, но и разрушит связи между тремя объектами. Этот пример демонстрирует важность рамки.
Зрительный вес и визуальное равновесие, не физические характеристики, это свойства человеческого восприятия, поэтому их воздействие отличается у разных людей: кто-то чувствует острее, кто-то менее остро, но чувствует их воздействие каждый человек.
Пример. Очень динамичный снимок, в котором, за счет линейной перспективы, присутствует пространственный объем и явно ощущается движение благодаря визуальной конструкции.
Визуальную конструкцию этой фотографии рассмотрим подробней. Правая часть кадра, за счет более темного тона, ощущается более тяжелой, кроме того, наклон вертикальных линий, создает ощущение движения персонажа в кадре. По сути, речь идет об известном приеме “голландский угол”, который используется для того, чтобы показать возбужденное эмоциональное состояние персонажа. В данном случае фотограф использует использует одновременно тональный дисбаланс, “голландский угол” и линейную перспективу, чтобы передать зрителю ощущение движения и приподнятое настроение ребенка.
Это отличный пример того, как визуальная конструкция поддерживает фабулу.
Другой пример визуального равновесия
Попытайтесь прикрыть одну из рук девушки на изображении… вы сразу почувствуете, как изменилось ваше восприятие снимка.
Даже, на первый взгляд, незначительные изменения в кадре могут существенно повлиять на восприятие изображения и изменить его смысл. Расположение элементов, включая такие “мелочи”, как положение руки, могут создать ощущение уверенности и баланса, в то время как отсутствие этого элемента меняет восприятие фотографии.
Суть портрета заключается не только в технической стороне съемки, но и в том, как фотограф передает эмоции, характер и состояние персонажа через детали.
В нашем примере, отсутствие правой руки девушки могло бы восприниматься как потеря равновесия, что в свою очередь подсказало бы зрителю, что персонаж испытывает неуверенность.
Поэтому, внимание к мелочам, это то, что делает снимок верной интерпретацией вашей идеи, конечно, при условии, что идея была сформулирована.
Композиция в фотографии и симметрия
Что нужно знать о симметрии, кроме того, чему нас учили на уроках геометрии? В фотографии симметрия является источником равновесия, и она может быть как абсолютной, так и частичной. Абсолютная симметрия — это точное зеркальное отражение одной половины изображения в другую относительно вертикальной оси. Однако в реальной жизни нет ничего более скучного и унылого, чем абсолютная симметрия!
Поговорим о композиционной конструкции «Весы», которая очень часто используется в фотографии. В этой схеме, обычно, задействованы три объекта. Два крайних играют роль противовесов, а центральный объект становится осью весов — их центром симметрии. Кстати, стоит отметить, что центр симметрии присутствует не всегда. В некоторых случаях встречаются «весы» без центра, состоящие лишь из двух противовесов.
Еще одна важная особенность человеческого восприятия, которая имеет прямое отношение к симметрии, заключается в том, что правая и левая части изображения воспринимаются нами по разному.
Природа этого феномена плохо изучена, физиологи предполагают, что это отражение функциональных различий между правым и левым полушариями человеческого мозга. Но это не точно, да и не так важно для фотографии, нас интересует только проявление этого феномена.
Восприятие большинства фотографий, при симметричном отображении, меняется совершенно. Изменяется или исчезает смысл, перестают работать выразительные средства. Бывает наоборот ─ невразумительная, слабая фотография при зеркальном отображении становится интересней. Конечно, такое изменение случается довольно редко.
Взгляд зрителя, как правило, «входит» в изображение слева и движется в правую часть. В примере, девушка смотрит влево и она смотрит на зрителя, в зеркальном отображении девушка “отвернулась” и смысл изображения меняется… или пропадает.
Фотографы учитывают эту особенность человеческого восприятия.
Линии и диагонали
Очередной феномен восприятия связан с линиями. Линии в фотографии формируются границами светотеневых зон и особенно выражены в контрастных изображениях. При низком контрасте они могут превращаться в светотеневые градиенты. Линии активно участвуют в восприятии кадра: они определяют направления, могут обозначать движение и создавать линейную перспективу. Ритмический рисунок, также, часто задается линиями.
Диагонали — это наиболее активные линии.
Пример восприятия диагонали. Рассмотрим стилизованное изображение автомобиля. Если такое схематичное изображение расположено на горизонтальной линии, то невозможно определить направление его движения и даже невозможно представить себе движется ли автомобиль. Однако если использовать диагональ, идущую из левого верхнего угла в правый нижний, зритель непременно предполагает движение вниз. А если автомобиль разместить на противоположной диагонали, он, казалось бы, стремится катиться вверх. Все это подсказывает нам зрение, которое опирается на опыт.
Диагонали активно и сознательно используются фотографами для создания акцентов. С их помощью можно обозначить движение, напряжение, управлять взглядом зрителя, а также придавать сюжету эмоциональную окраску. Рассмотрим два снимка, сделанных в один день в одном и том же месте. В верхнем снимке активно используется диагональ: модель и даже фон содержат диагональные элементы. Персонаж этого снимка полон характера и силы, что, конечно, вызывает интерес. Сюжет довольно обычный, но он все равно привлекает внимание.
Между появлением этих двух фотографий прошло всего несколько минут, но образ радикально изменился: исчезло движение, а напряжение сменилось пассивным раздражением.
В первом снимке взгляд зрителя останавливается на лице, последовательно фиксируясь на глазах и губах — это обычный алгоритм нашего восприятия. Затем взгляд опускается по диагонали вдоль бедра и возвращается по светлому камню к руке девушки и вновь возвращается к лицу. Так работает замкнутая композиция, заставляя зрителя концентрироваться на снимке продолжительное время, фиксируя новые детали в каждом цикле.
Во второй фотографии присутствуют несколько диагоналей. Самая заметная из них образована бедром, но она не слишком выразительна и теряется среди других линий, это подчеркивает пассивное раздражение персонажа.
Два снимка вызывают совершенно разный отклик, насколько к этому причастны диагонали… мне кажется, что причастны.
Иллюзия пространства и перспектива
Важно понимать, как наше зрение превращает изображение на плоскости в иллюзию трехмерного пространства. Закройте один глаз, чтобы на время выключить бинокулярное зрение. Иначе оно будет, словно дятел, вбивать в мозг сигнал о том, что глубины нет.
Глядя на плоскость внутри рамки, мы представляем себе пространство, имеющее глубину. Конечно, это пространство иллюзорно, но сама иллюзия основана на нашем зрительном опыте. Это позволяет воспринимать картины, фотографии, ходить в кино и смотреть телевизор.
Если нарисовать прямоугольники разных размеров, мы сразу почувствуем, что меньший прямоугольник находится дальше (см. рис. I). Различие размеров подобных объектов ─ наиболее важный признак линейной перспективы, мы уже упоминали его. В реальном мире, по мере удаления, видимый размер объекта уменьшается. То же касается и расстояний, так, два параллельных рельса визуально сходятся на линии горизонта.
Если добавить изображение горизонтальной плоскости, которая однозначно создает перспективу (см. рис. V), то ощущение глубины пространства превращается в уверенность.
При таком взгляде появляется линия горизонта. Если представить себе “взгляд сбоку” на несуществующее в реальности картинное пространство, оно будет выглядеть, примерно так, как показано на схеме ниже: самая удаленная от зрителя точка будет проекцией линии горизонта, а на верхней и нижней сторонах рамки иллюзорное картинное пространство будет пересекаться с ней в ближайших, к зрителю, точках.
Что еще стоит принимать в расчет? Нарисуем два прямоугольника одинакового размера, один из которых черный, а другой — белый. Сразу становится заметно, что черный прямоугольник выглядит крупнее и, как следствие, иллюзорно расположен ближе (см. рис. III). Это явление называется тональной перспективой.
Простой эксперимент: увеличим белый прямоугольник настолько, чтобы он визуально казался того же размера, что и черный. Такой результат можно достичь, если геометрический размер белого прямоугольника увеличится примерно на 3% по сравнению с черным. Если объект будет серым, то визуальное отличие его размера от белого прямоугольника станет менее заметным.
Если белый прямоугольник визуально расположен на картинной плоскости, то черный прямоугольник будет восприниматься как расположенный ближе, чем картинная плоскость. Насколько ближе? Ответ очевиден: он “находится” ближе на 3% от расстояния до белого прямоугольника. Важно помнить, что это всего лишь иллюзия, основанная на особенностях восприятия.
В изображениях, особенно фотографических, тональная перспектива нередко нарушается. Объекты, расположенные ближе, могут быть светлее, а удаленные — темнее. С этим ничего не поделаешь, так устроен реальный мир. Поэтому, при формировании объемного изображения наш мозг считает тональную перспективу менее приоритетной, чем линейную.
Когда объекты своим тоном нарушают закон тональной перспективы, возникает явление, называемое обратной тональной перспективой. Это означает, что более темный объект воспринимается как расположенный дальше от зрителя, чем светлый, нарушает тональную перспективу в угоду линейной.
Такое нарушение вызывает коллизию восприятия, и зрение пытается разрешить её, что приводит к тому, что внимание зрителя концентрируется на объекте. Таким образом обратная тональная перспектива может влиять на управление взглядом зрителя.
Более контрастный объект кажется ближе, чем тот, чей контур размыт (см. рис. II). Это согласуется с случаем, изображенным на рис. III, и является частным примером тональной перспективы.
В реальности этот эффект относится к понятию «атмосферной перспективы», поскольку он связан с физическими свойствами атмосферы нашей планеты через, все тот же, зрительный опыт. В атмосфере содержатся капельки воды и пыль, которые делают его не абсолютно прозрачным, поэтому чем толще атмосферный слой, тем больше он влияет на четкость видимых объектов.
На картинах старых мастеров можно заметить, что объекты фона размыты и их цвета менее насыщены. С появлением фотографии это явление стало хорошо заметным и на фотоснимках. Эту особенность стали называть атмосферной перспективой, и её причина также заключается в неполной прозрачности атмосферы.
Цвет тоже участвует в формировании глубины (см. рис. IV). Теплые цвета воспринимаются как находящиеся ближе, холодные — как более удаленные. Это явление, насколько мне известно, не имеет названия, тем не менее оно существует.
Атмосферную перспективу можно увидеть на картине Леонардо да Винчи «Портрет госпожи Лизы дель Джокондо», более известной как «Джоконда». Фон, на котором изображена Мона Лиза, менее насыщен и слегка размыт. Это создает визуальное ощущение атмосферной дымки. Передний план картины выполнен в темных тонах и теплых цветах. Фон, по канонам, изображен в светлых тонах и более холодных цветах. Тональная и цветовая перспективы на картине соответствуют природным наблюдениям, которые уже были известны в то время.
Самый очевидный признак глубины пространства — это взаимное перекрывание объектов (Фиг.VI). Этот признак практически не создает зрительный эффект объема, но помогает понять расположение объектов в кадре.
Ниже жанровый снимок, сделанный на ярмарке. Люди находятся очень близко друг к другу, поэтому сложно оценить их взаимное расположение. Но, благодаря “взаимному перекрыванию объектов”, организация сцены становится понятной, это позволяет отделить передний план от среднего и все вместе — от фона.
Тональное решение снимка и признаки обратной тональной перспективы в группе главных персонажей, создают объем. Линейная перспектива практически отсутствует. Задний план сформирован только за счет размытия, природа которого в ограниченной глубине резкости.
Подведем итог. Признаки более удаленного расположения объекта: меньший размер, светлый тон, размытость изображения, холодный цвет, взаимное перекрытие объектов.
Буквально готовая чудо-табличка, для тех, кто ищет в сети способы стать фотографом за пару часов.
Еще нужно добавить к списку признаки светотеневого рисунка. Тени отлично указывают на расположение объектов и способствуют выявлению объема.
Фотография выше, размытый фон не добавляет ощущение объема. Но тени, разбросанные по траве, создают объем. Благодаря которому девушка органично вписывается в картинное пространство.
Сюжет + выразительные средства
Американский фотограф Уильям Эглстон запечатлел на фотографии сцену, на которой сидит молодая женщина на брошенных качелях посреди пустыни. Как бы я описал то, что увидел глядя на этот снимок:
Первый вариант, мне показывают последствия некоторого процесса, который вполне можно считать катастрофой: пустыня, брошенные качели, красивая девушка в одежде, явно не предназначенной для путешествия по пустыни. Дальше я заметил сложенные камни, которые намекают на то, что раньше в этом месте жили люди… Все вместе это создает чувство тревоги… может быть, это кадр из мира постапокалипсиса?
Вторая гипотеза: девушка приехала, на weekend, в загородный домик… такой себе weekend ее ожидает… лучше вернусь к теме постапокалипсиса.
Посмотрим, как выразительные средства фотографии поддерживают эту фабулу.
Как выглядит визуальное решение? Что выразительные средства добавили к сюжету?
Разберём, как построен кадр. Фотограф выделил ноги девушки с помощью тени и тёмного пятна юбки. Ноги, с сведёнными в коленях ─ это визуальный, стрела, указывающая вверх, прямо на лицо.
Тень — ключевая деталь, создающая эффект обратной тональной перспективы.
Чёрная тень играет активную роль, благодаря своей контрастности, она возвращает взгляд с лица на ноги, и этот цикл повторяется снова.
Мы помним, что тёмные объекты воспринимаются расположенными ближе к зрителю, чем светлые.
При первом взгляде тень создаёт «невозможное» пространство, это заставляет взгляд вернуться, чтобы разрешить визуальное противоречие.
Взгляд несколько раз возвращается к деталям, пытаясь разгадать загадку, спрятанную в визуальной конструкции.
Такая организация кадра называется «закрытой» или «замкнутой» композицией.
До и после
Фотография всегда отражает идею, которая приводит автора к решению нажать на спуск.
А вот что за идея привела в появлению фотографии, от фотографа: это может быть желание услышать звук затвора или результат рассуждений о мироздании… чаще идея находится где-то между этими крайностями.
После того, как затвор сработал, фотограф теряет контроль над изображением. Власть над фотографией теперь принадлежит зрителю. И сам автор, став зрителем, только наблюдает за жизнью своего детища… Опять получилось пафосно до тошноты! Чаще фотограф не только “наблюдает за детищем”, но еще пытается объяснить, что он имел в виду… очень не рекомендую это делать! Лучше все переснять или сменить аудиторию.
Надежда на исправление ошибок в процессе обработки — это распространённое заблуждение начинающих фотографов. Им кажется, что можно создать «шедевр», перебирая в графическом редакторе гору ранее отснятого материала.
Работа выдающегося фотографа Петера Линдберга ─ пример того, как нарушение очевидных правил иногда приводит к замечательному результату.
Спойлер: как правило такое случается у зрелых фотографов.
Размытая рука на переднем плане, расположенная в центре кадра, по всем канонам, должна убить изображение. Но случилось “чудо”, попадая на этот “лишний” объект, взгляд быстро находит лицо, глаза, губы. Но размытое изображение руки, очень активно и оно снова и снова притягивает взгляд, создавая цикличность. Зритель, раз за разом, считывает детали, многократно возвращаясь взглядом к лицу.
Попробуйте повторить подобный снимок, используя схожую конструкцию. Вы, почти наверняка, получите неудачную работу. Помните? Разница в мельчайших деталях, но именно в этом кроется магия фотографии.
Чтобы создать что-то, действительно замечательное, часто приходится нарушать те самые “канонические правила”. Чаще это приводит к провалу, но, иногда, крайне редко, случается чудо.
Чтобы создать магию, нужно проявить оригинальность мышления, фантазию, талант, чувства вкуса и меры. Простите, более точного рецепта не существует.
Итак, смысловая реализация и выразительные средства — две составляющие композиционного решения. Это именно то, что мы продолжим обсуждать.
Мы неизбежно перешли к обсуждению визуальной реализации и выразительных средств, которые ее создают.
О пленке
Начинающие фотографы, часто ретранслируют мифы о «сакральной сущности фотопленки», которая, якобы, гарантирует объемное изображение. Это заблуждение!
У пленки есть свои особенности, но они могут быть воспроизведены и в цифровом изображении.
Есть совершенно другие причины в том, что “пленочные фотографии, в массе, демонстрируют более высокий уровень, чем цифровые.
Во-первых, основная масса посредственных изображений не прошла временной фильтр, тем более, что практически вся “пленочная” эпоха пришлась на время, когда отсутствовали современные способы хранения, передачи и презентации контента.
Другая причина в том, что снимать на пленку дороже и хлопотней, чем на цифровую камеру. Фотографы не делали 1000 снимков за четверть часа, они старались готовиться к каждому кадру. От этого фотографии, в среднем, были намного лучше…
Для справки: большинство свадебных фотографов брали на съемку 10-15 роликов пленки, сравните это с современной ситуацией.
Глубина резкости
Глубина резкости, как, якобы, признак пространственного объема, впервые появилась в фотографии, в изобразительном искусстве такое явление отсутствует. И это совершенно понятно, есть признак перспективы, называемый «атмосферная перспектива», и это совсем не то, что ГРИП.
Гармоничная нерезкость, или боке, не находит отражения в изобразительном искусстве по одной простой причине: человеческое зрение и оптика камеры работают совершенно по-разному.
Чтобы разобраться в этом, нужно представить себе, как устроено наше зрение и что общего оно имеет с фотографией.
Существует несколько аналогий между фотокамерой и человеческим глазом:
оптическая система объектива камеры соответствует роговице и хрусталику глаза
диафрагма объектива похожа на зрачок, который тоже меняет размер отверстия в ответ на изменение освещенности
механизм фокусировки объектива имеет аналогию с работой мышцы, изменяющей кривизну хрусталика
светочувствительный элемент — фотопленка или цифровая матрица, выполняет роль сетчатки глаза
Но, есть и очень важные различия:
объектив проецирует изображение на светочувствительный элемент одномоментно и также одномоментно изображение фиксируется с помощью затвора
человеческое зрение работает иначе, чем фотокамера
сетчатка глаза неоднородна, в отличие от фотопленки или матрицы, которые представляют собой изоморфную поверхность, она имеет две функционально разные зоны
Рассмотрим, в общем виде схему человеческого глаза, она описана в популярной литературе и помогает упрощенно представить, как устроено зрение.
Свет через роговицу и хрусталик попадает на сетчатку, где формируется перевернутое изображение. Сетчатка передает информацию в мозг через зрительный нерв, и здесь начинается процесс обработки полученных данных. Это еще можно сравнивать с работой цифровой камеры, но дальше аналогия с камерой заканчивается: мы помним, что фотокамера фиксирует экспозицию единовременно и окончательно, это важно. А как человеческое зрение создает изображение?
На сетчатке глаза выделяются две функциональные зоны: центральная ямка и периферическая часть сетчатки.
Центральная ямка содержит чувствительные к свету зрительные колбочки, отвечающие за восприятие цвета и деталей, именно она дает изображение с наибольшей детализацией и цветопередачей. При этом центральное зрение обладает очень узким углом обзора — не более 2º-3º и плохо реагирует на недостаток света. В условиях низкой освещенности центральное зрение теряет эффективность.
Периферическое зрение, напротив, гораздо более чувствительно к яркости, но оно не такое детализированное и очень слабо реагирует на цвет. Периферическое зрение обеспечивается зрительными палочками, которые, в отличие от колбочек, работают группами и гарантируют восприятие света и движения в более широком поле.
Получается, что в отличие от камеры, человеческий глаз, формирует зрительный образ все время, пока наше внимание сосредоточено на конкретной сцене, чем дольше продолжается этот процесс, тем больше деталей начинает различать зрение, так как зрение ─ когнитивный процесс, в котором активно участвует мозг.
Есть и обратная сторона, часть деталей, которые кажутся незначительными, могут вытесняться из сознания… согласен, на объективность нашего зрения рассчитывать сложно.
Постоянно “сканируя” сцену, зрение увеличивает ее детализацию за счет центрального зрения. Периферическое зрение несет вспогательные функции: реагирует на движение или фиксирует объекты при недостаточном освещении.
Из всего написанного выше ясно, что говорить о зоне резкости (ГРИП), как о естественном свойстве человеческого зрения, нельзя.
Мы видим мир, в основном, резким, ярким и цветным благодаря мыслительному процессу и эти совершенно отличаемся от любой фотокамеры.
Глубина резкости, по своей сути, является спецификой оптических систем, которую фотографы научились использовать в своих целях.
Благодаря этому свойству объектива, возможно выделять главные элементы изображения, а второстепенные зоны оставлять нерезкими. Тем самым создавать смысловые акценты и фокусировать внимание зрителя на нужных частях фотографии.
Когда мы говорим о пейзаже с двумя “селянками”, то для создания объема в фотографии использовано несколько приемов. В первую очередь — это линейная и тональная перспективы, которые придают изображению глубину и помогают создать иллюзию трехмерности. Глубина Резко Изображаемого Пространства (ГРИП) тоже играет важную роль, но не в создании иллюзии объема, а в привлечении внимания к сюжетно-значимым деталям, в данном случае, к девушкам.
Вывод: связанные с ГРИП зоны нерезкости в изображении не являются признаком перспективы и объема. Но они могут играть роль маркера. С помощью такого маркера, передается информация о наиболее важных зонах изображения.
Сюжет и композиция в фотографии
В предыдущей части мы очень кратко рассмотрели выразительные средства фотографии, теперь обратим внимание на то, как визуальная конструкция влияет на восприятие идеи снимка.
В фотографии существует два главных полюса, две концепции, отражающие отношение к ней.
Один из подходов берет свое начало, возможно, от Картье-Брессона, который своим творчеством отрицал любую «постановочность». Он считал, что композиция в фотографии формируется моментом, подаренным художнику мирозданием. Он, художник, должен лишь заметить момент и зафиксировать его.
Конечно, это довольно упрощенное описание философии Картье-Брессона, но факт остается фактом. Он находил свои сюжеты и создавал композиционно безупречные снимки. Выше одна из его работ, и даже не углубляясь в детали построения кадра, можно сразу оценить её великолепие.
Такой подход к фотографии предполагает постоянную готовность “увидеть” момент. Требуется умение использовать каждый предоставленный случай и всегда быть готовым, чтобы не упустить тот единственный миг.
Это требует живого восприятия действительности и умения оказаться в нужное время в нужном месте. Еще необходима огромная насмотренность, чтобы распознать момент и мгновенно отреагировать на счастливый случай.
Картье-Брессон обладал этим даром в совершенстве, и именно поэтому столько «спонтанных» шедевров, сколько оставил он, больше не оставил ни один фотограф.
Мне показалась интересной мысль, которую я встретил в какой-то статье, не дословно: “Шедевры встречаются и у известных фотографов, и у случайных людей, но «случайные» люди часто не могут распознать чудо, и их фотография теряется в океане фотомусора…” Это грустное открытие, особенно трагичное в эпоху цифровой фотографии.
В наши дни цифровой снимок практически не имеет стоимости и не требует усилий для своего создания. В этом проблема и она стала глобальной, поэтому так важен процесс воспитания в себе культуры, которая позволяет выделять прекрасное из громадного потока безликого контента.
На другом полюсе находится постановочная фотография, которая представлена множеством хороших, выдающихся и великих мастеров.
Принципиальное отличие постановочной фотографии от «спонтанной» заключается в том, что композиция в ней создается фотографом. Он самостоятельно выстраивает сцену, размещая объекты и работает с объектами, создавая драматургию снимка.
Только фотограф решает, когда наступает МОМЕНТ. Постановочная фотография совсем близка к изобразительному искусству, когда от момента и случайности не зависит ничего.
Хельмут Ньютон — выдающийся фотограф, один из классиков современной фотографии. Эта работа Ньютона, на первый взгляд, имитирует «уличную» съемку, но фактически это мастерски выполненная постановочная фотография.
Замечательно выверенная композиция с симметрией, которая нарушена ровно настолько, насколько нужно, чтобы не оскорблять вкус зрителя и сохранить движение в кадре.
Линейная перспектива с жестким кадрированием и низкой точкой съемки — всё вместе это подчеркивает пропорции модели, которая является смысловым и зрительным центром.
И, конечно, свето-тональное решение, которое, вместе с перспективой, управляет взглядом зрителя, пряча лицо девушки среди тональных пятен фона и волос, выделяя ту «изюминку», которую предложил фотограф, что делает даже банальный сюжет пикантным.
Здесь мы имеем случай, когда тональная перспектива работает наравне с линейной, создавая конструкцию кадра.
Как установить баланс между смысловой и визуальной составляющими фотографии? “Кто более матери-истории ценен?"©
Все опять сосредоточено на пресловутой идее, которая объединяет эти сущности.
Если вам удалось снять посадку инопланетного корабля, вряд ли кто-нибудь выскажет в ваш адрес упрек по поводу неудачного ракурса и неверного кадрирования, скорей всего такого не будет. Но когда вы снимаете портрет и в результате долгой суеты, клиент выглядит как испуганный неврастеник в нелепой позе, с жуткими тенями на лице… тогда вас ожидает разговор о том, как вы дошли до такой жизни.
Послесловие
Во второй редакции мне все равно не удалось полностью избавиться от сумбура в изложении. Так произошло потому, что хочется вместить максимум полезной информации в относительно короткий текст… хотя “букв” в нем немало.
Поэтому я придумал оправдание для себя, звучит оно так: задачей этого текста является появление интереса к вопросам построения кадра, это не самоучитель. Но я уверен, что озадачившись этой статьей, можно заняться самообразованием. Самой большой проблемой при таком подходе будет поиск наставника, который поможет в в адекватной оценке работ и даст рекомендации, но и эта проблема решаема.
Можно обращаться в нашу фотошколу за консультациями, они, в зависимости от сложности, могут быть бесплатными.
Фотошкола в Ростове https://school.gurfoto.ru/
Оригинал статьи на сайте фотоагентства GurFoto.Ru https://gurfoto.ru/blog/frameconstruction/